财讯：高阶秀尔：断臂的维纳斯，为什么是杰作？

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“米洛维纳斯”( venus de milo )公元前2世纪，大理石，高202厘米，巴黎卢浮宫 高级秀尔，日本西方美术史论名家，1932年出生于东京，留学东京大学名誉教授，巴黎大学附属美术研究所，主要从事日本和西方美术的研究，致力于向日本人普及艺术知识。 曾任日本国立西洋美术馆馆长，大原美术馆馆长。 本文摘自高级秀尔代表作《看名画的眼睛》(中信出版社，年11月)系列。 代代相传的“美的条件”，在文艺复兴时期的欧洲，古希腊美学作为美术表现的基础——“美的条件”被继承下来。 那么，“美的条件”到底是什么呢？ 以被认为是“杰作”的“米罗的维纳斯”为例，一边思考这部作品被称为“杰作”的理由一边欣赏吧。 在“米洛的维纳斯”的背上看到这个雕塑，我们首先观察了身体大扭曲的姿势，乍一看不太稳定，但整体上观察到了非常稳定的优点。 这是因为以腰为起点的上半身扭曲产生重心的偏向，用右脚的支撑取得了平衡。 这正好像人类走路的姿势 人走的时候，身体向左摆动，向右摆动，但由于重心线还在移动的时候保持垂直，所以可以不摔倒地保持平衡。 这种姿势是古希腊人在公元前5世纪左右发现的。 作为美术表现之一，通过与古希腊以前的美索不达米亚和古埃及的雕刻进行比较，其特征将更加明显。 以一部分和整体和谐的比例关系为例，无论是公元前3300年古代美索不达米亚地区的作品《祭司王像》，还是公元前22世纪的作品《古地亚》，都感觉不到正面直立，即正中线垂直，完全没有动感。 “祭司王像”( statuette of teh priest king )，前3300年，石灰岩，高30.5厘米，巴黎卢浮宫“古地亚”( gudea )，前2120年，玄武岩，高770年。 例如，无论是古王国时代的国王和王妃的立像，还是新王国时代的女性像，线都干净光滑，但正面是垂直站着的，正中线还是垂直的，缺乏动感。 另外，古代美索不达米亚和古埃及的雕刻总体上非常单一。 也就是说，身体的各部分之间，或者部分和整体之间没有本质的区别，换言之是有统一性的。 与此相对，在“米洛的维纳斯”中，头部、上半身、腰、双脚等各部分按地区被特定，保持了整体的统一性。 这个“部分与整体的和谐”是古希腊人心中“美”的首要条件。 而且，这个“和谐”的产生是因为身体各部分之间设定的“比例关系”。 现在也有“八头身美人”的表现，以比例关系连接身体各部分的是古希腊人。 人体各部分统一的比例关系称为“规范”( canon )。 公元前5世纪，古希腊雕刻家波利克利特(生卒年不详)制定了“1:7”，即七头身的规范。 在公元前4世纪，这张图又讲究“1:8”，也就是八头身的规范，至今成为表现“美丽身体”的基准。 “妇女像”( female figure )，古埃及第18王朝，约1400年，木质，高32厘米，伦敦大英博物馆“法老摄像机和皇后像”( pharaoh menkaure and his queen )，波士顿美术馆“受伤” 前430年，引进大理石、高200厘米、罗马卡比特利奥博物馆“动态”，将古代美索不达米亚和古埃及的雕刻与“米罗维纳斯”进行比较时，发现了另一件事。 当然，古埃及也有“官员雕像”、“搬运供品的女性”等单足向前伸出的雕塑。 但是，即使在这些雕刻中，正中线依然垂直，其结果，成为捕捉并固定动态瞬间的所谓“静止的动态”的表现，完全感觉不到动态。 “官立像”( nudefigureofthesealbearertjetji )，古埃及第六王朝，约2321年，木制彩色绘画，高75厘米，伦敦大英博物馆“运送贡品的女性像”( statueofanoffeet )高112厘米 在“米洛的维纳斯”中，雕像的身体重心由右腿支撑，左腿可以自由移动，因此，可以大大越过左腿，与身体的扭曲相呼应，产生充满活力的动态动作。 这个“动态”的引进是古希腊人心中“美”的第二条件。 “支撑腿”作为重心，与支撑弯曲成s字状的身体、可以自由移动的“小腿”一起，被称为稳定地采取动态姿势的“对立平衡式”( contrapposto )，是欧洲雕刻和绘画中人体表现的基础，一直以来都在使用。 例如，许多人知道桑德罗·博蒂切利( 1445—1510 )创作的维纳斯是以《卡比特里奥的维纳斯》为例创作的。 另外，还有意大利文艺复兴鼎盛时期的巨匠米开朗基罗的作品《大卫》、同年代在德国活动的乌鲁木齐·戈尔哈特(约1470—1540岁)的作品《抹大拉的玛丽亚》、18世纪法国雕刻家埃德姆·布沙顿( eddon )。 不管创作年代、地域、格式乃至主题，这些不同的雕刻都有共同点。 也就是说，用构图的平衡来表现对人体的美的意识。 人类中心主义的世界观刚才看到的古代美索不达米亚和古埃及的雕刻和“米罗的维纳斯”的不同，与其说是技术问题，不如从世界观的不同中寻找原因。 在古代美索不达米亚和古埃及，担任雕刻模特的人是国王、女王、神官、巫女、书记官等拥有特权的统治者阶级的人，当时被认为是超自然的存在，也就是超能力者。 在为这些超能力者制作雕刻时，他们最重视具有超越现世的永久性，因此必须排除“动态”这一暂时因素，形成不受时间流逝影响的纪念碑等令人毛骨悚然的姿势。 另外，必须采取面向正面的姿势，以便谁都能确认雕刻的模型是谁。 古埃及特别强调风格写实，要求与模特本人相似(酷似性)。 “书记官座像”( the seated scribe )，古埃及第五王朝，前2600—前2350年，石灰石和雪花石膏，高53.7厘米，与巴黎卢浮宫相比，古希腊人已经是讨论家和教育家普罗塔哥拉( protagoriba ) 前面提到的创造“美丽身体”的“比例关系”也适用于人类周围的整个世界。 也就是说，对古希腊人来说，人的身体是“美的基准”，自然界的美也需要基于这个基准来评价。 这种“人类中心主义”的世界观其实和基督教的世界观是共通的。 旧约中有上帝先创造天地，最后创造人类的记载。 这是为了人类统治自然世界。 在基督教的世界观上，人类也是自然界的王者 所以文艺复兴时期的欧洲很容易接受古希腊人的“人是万物的尺度”这种“美”的思想，现在还在继续。 莱昂纳多·达芬奇的《维特尔维人》出色地展示了通过构成世界中心人体和人体的比例关系来思考世界的思想。 正因为有这种基于“人类中心主义”的“美”思想，在西方绘画的历史中，人物表现的重要性都更高，长期以来风景画和静物画的评价不高。 《维多维安曼》( vitruvian man )，达芬奇，约1487年，钢笔和墨水，34.4厘米×25.5厘米，威尼斯学院美术馆的服饰表现之美:写实派理想主义是古希腊人基于“人类中心主义”，将人体 这几个在面部表现中有非常明显的表现 古希腊的雕刻，特别是女性形象的脸既没有个性也没有类型化，就是因为这个。 因为是以理想的形式制作的，所以人物的表情看起来很写实，但有从古埃及的雕刻中看不到的酷似性。 相比之下，从古希腊雕刻的女性形象可以看到非常写实的服装表现。 与大众的印象不同，在古希腊裸体表现的只有男性形象。 第一个女性的裸体像是公元前4世纪左右制作的，但到那时为止的女性像都穿着衣服。 因此，为了表现女性的身体，必须充分利用被水淋湿、被风吹得紧贴身体的服装产生的线条的美丽。 那时，出现了很多我们在“维纳斯的诞生”中可以看到的、通过画贴在身上的服装线来表现身体隆起部的雕刻。 《维纳斯的诞生》(鲁德比西王座正面)约460年前，大理石，140厘米×144厘米，罗马国立博物馆中最好的作品是《萨莫色雷斯胜利的女神》。 在“萨摩色雷斯胜利女神”中，胜利女神的身体和缓和平衡的构图相结合，通过被风吹的服装线条的美丽，表现得很巧妙。 “萨摩色雷斯胜利女神”( winged victory of samothrace )是古希腊人心中“美”的第三条件，即高244厘米、巴黎卢浮宫。 他们试图通过理想化的人体形态和写实的服装表现，实现被称为“写实派理想主义”的理想。 所以古希腊的雕刻可以实现理想化的没有观念化的真正身体表现 再次关注“米罗的维纳斯”的话，通过表现上半身裸体的美丽和下半身展现的服装的美丽，可以充分实现“写实派理想主义”。 在“杰作”的理由中，“米罗的维纳斯”为什么是杰作呢？ 是因为这座雕塑满足刚才说的“美”三个条件吗？ 确实是这样 但是，准确地说，这个答案反而相反了。 其实，以《米罗的维纳斯》为代表的哪个作品不是欧洲美术中造型表现的基础吗？ 也就是说，这样能够具体实现“美”三个条件的雕刻作品将成为之后欧洲美术的源泉。 在欧洲美术中，一部作品是否美丽、杰作必须以“米洛的维纳斯”这样的作品作为衡量的标准。 从这个意义上来说，《米罗的维纳斯》本身不仅是杰作，而且可以说是欧洲美术史上许多杰作的来源的一系列作品的代名词。 高级秀尔，《看名画的眼睛》，中信出版社，年11月(本文来自澎湃信息，越来越多的原始信息是“澎湃信息”app)